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Revista Escaner Cultural
ARTE, CIUDADANÍA Y CULTURA POPULAR: "ARTE DE CORDEL RECARGADO" EN VALDIVIA (NOVIEMBRE 2011)
17 January 2012 - 1:24pmLittle Chilean Thoughts
Arte, ciudadanía y cultura popular:
"Arte de Cordel Recargado" en Valdivia (noviembre 2011)*
por Carolina Benavente Morales
cbenavem@gmail.com
Índice (los vínculos sólo funcionan con la página abierta)
Ciudadanos-artistas en la Plaza
Una buena cazuela, un gran collage
Durante el año 2011, los chilenos nos familiarizamos con incontables manifestaciones que cautivaron a la ciudadanía y cohesionaron el movimiento estudiantil en torno a sus demandas por una educación gratuita y de calidad. Tal explosión de creatividad colectiva no se había visto antes en el país, pero los cuerpos pintados, los pasacalles, los suicidios colectivos y los flashmobs, entre otros, forman parte de una larga serie de intervenciones estéticas en la sociedad. Realizada en distintas localidades de Chile el sábado 19 de noviembre de 2011, "Arte de Cordel Recargado" no surgió directamente del movimiento estudiantil, pero es parte de esa otra historia que se hizo visible gracias a sus protestas. La actividad, organizada por la plataforma virtual llamada en forma irónica Museo de Arte Moderno de Chile (MAMCHI), consistió en que cualquier persona interesada pudiese exhibir sus obras de arte colgándolas de cordeles en el espacio público, con el fin de expresar sus propias y diversas reivindicaciones.
Debido a su mayor exposición mediática, las acciones artísticas dirigidas a la televisión y a las redes sociales acaparan la atención de ciudadanos y expertos, a pesar de que se acompañan y en general se imbrican a otras que carecen de tales características. En particular, “Arte de Cordel Recargado” no sólo privilegió la acción desenchufada y desconectada, sino que además se desvió de la estética pop predominante. En efecto, su referente es la literatura de cordel, un género popular rural-urbano que tuvo vigencia sobre todo en el siglo XIX y cuyo nombre responde a que sus pliegos impresos se vendían, justamente, colgados de cordeles. Esto plantea mucho interés desde el punto de vista de la relación de las intervenciones artísticas con la cultura popular, ya que, al recurrir a ésta, los chilenos movilizados de hoy ensayan estrategias estéticas que no tienen cabida ni en la masividad ni en la esfera virtual. Ahora bien, si este tipo de intervenciones persiguen la transformación social, ¿cómo fue que lo logró “Arte de Cordel Recargado”? Voy a abordar esta pregunta en términos de los agentes, los discursos y las prácticas socioestéticas enfocando la actividad realizada en Valdivia, en la cual participé.
Escáner Cultural nº: 144SIGUIENDO EL ESPÍRITU ANTIGUO
14 January 2012 - 5:34pmDesde Rusia
SIGUIENDO EL ESPÍRITU ANTIGUO
Marina Yufereva
El hormiguero de los edificios de muchos pisos y de los carros que se menean con lvelocidad fugaz, en los caminos asfaltados y en las líneas de transmisión… pero en otros tiempos la gente se movía en lcaballos, vivía en viviendas de piedra y luchaba con espadas… Antes de nuestra era cerca del río Don y de la costa del Mar de Azov (actualmente es la parte del Sur de la Federación Rusa) poblaban las amazonas agresivas, se organizaban los bazares del Oriente ricos de diversas curiosidades…
Precisamente esta época fue reconstruida por el grupo creativo “Cool-Show” en los espectáculos “Noche en el Museo”, que tuvieron lugar en el museo histórico arqueológico de la ciudad Azov en el año 2011.
En el primer espectáculo con la temática “El Bazar del Oriente” para los espectadores curiosos se presenta el baile de la muchacha bella y del joven, de esos tiempos remotos ya en el olvido. La iluminación es pálida y hay una penumbra enigmática, no todos los espectadores ven que la muchacha está con un vestido especial y hasta algunos empiezan a pensar que la bailadora está desnuda.
ENTREVISTA CON DIANA NAVARRETE ASTROZA
12 January 2012 - 11:43pmGuía de Descarriados
Aquí vida óleo sobre tela 138 x 80 cms 2009
ENTREVISTA CON DIANA NAVARRETE ASTROZA
Marcelo Olivares Keyer
En el siempre amplio espectro de las artes visuales, la representación del ser humano ceñida a los bordes de la figuración ha gozado siempre de vigor y vigencia. Coexistiendo con tendencias rupturistas y experimentales de variada índole, el ser humano ha estado siempre ahí, perfectamente reconocible, espejo de todo creador, origen de todos los temas. También la pintura de caballete, con su abolengo de siglos, ha permanecido como un árbol milenario en medio del bosque.
Tras el cansancio de las rupturas y el derrumbe de los manifiestos, pareciera que inclusive la pintura vive hoy en el mundo sus mejores días tras algunas décadas de aparente repliegue. El circuito de arte globalizado y la imbricación de redes y plataformas de exposición, nos permiten constatar una nueva edad de oro de la pintura como disciplina y del hombre como argumento.
Cierto azar me encaminó una tarde de primavera al taller de Diana Navarrete Astroza en la avenida Simón Bolívar. Esta joven pintora santiaguina organiza su producción en series rigurosamente diferenciadas, las que a pesar de llegar a coexistir temporalmente, abordan exploraciones (plásticas, temáticas y psicológicas) diferentes pero no divergentes.
En tres de estas series, tituladas DE ORIGEN INNATO, ELLAS SABEN LO QUE QUIEREN y PERITAJE DE RIGOR, Diana Navarrete ha retratado al ser humano desde tres perspectivas o en tres momentos que –complementados- apuntan, a mi parecer, hacia la aprehensión de un contenido psicológico esencial y abarcador.
En DE ORIGEN INNATO, serie también llamada COMPORTAMENTALES, y aún en proceso, el acento está en las emociones, manifestadas a través de gestos exacerbados, captados estos mediante una pincelada rápida que es al mismo tiempo estudio de piel y deleite en la materia pictórica.
La serie ELLAS SABEN LO QUE QUIEREN, nos muestra a personajes en instantes explosivos, de embriaguez sensual no exenta de teatralidad. Lo extravagante o patético se reafirma con un tratamiento de reminiscencias pop y fondos planos. Todo lo contrario de la serie PERITAJE DE RIGOR, cuyo sondeo de escenas hogareñas, de ponderada intimidad, está tratado atmosféricamente, con un equilibrio cromático que acentúa su naturalismo, apelando quizás a una cierta poética del instante.
Escáner Cultural nº: 144LA FAMILIA
12 January 2012 - 10:15pmPerfiles Culturales
Meditaciones libertarias
LA FAMILIA
Rodrigo Quesada Monge[1]
Probablemente, ninguna otra filosofía política, tenga una posición tan radical sobre la familia, como el anarquismo. Y esto no es atribuible a su humanismo revolucionario, sino a que en la familia cristalizan, con gran claridad, todas las posibilidades, defectos y mal formaciones de las jerarquías sociales, en sus distintas expresiones y realidades. La familia patriarcal, institucionalizada totalmente por primera vez en las leyes de Hammurabi, era el espejo del estado arcaico con su mezcla de paternalismo y autoridad incuestionable. Pero lo que es más importante entender para comprender la naturaleza del sistema según el sexo/género bajo el que aún vivimos es el proceso contrario a este: el estado arcaico, desde sus inicios, reconoció su dependencia respecto de la familia patriarcal y equiparó el funcionamiento disciplinado de la familia con el orden en la esfera pública. La metáfora de la familia patriarcal como la célula, el edificio fundamental, del organismo sano de la comunidad pública se expresó por primera vez en las leyes mesopotámicas. Constantemente se la ha ido reforzando en la ideología y la práctica durante tres milenios. Cada vez que se producen discusiones o debates sobre legislación para impulsar la igualdad de derechos entre géneros, en los países del mundo occidental, aflora con toda su fuerza esa milenaria ideologización de la familia[2].
La construcción de la jerarquía y la elaboración del orden, como expresiones acabadas de la redondez de una determinada organización social, le deben mucho a las investigaciones sobre la familia que han realizado los antropólogos, los etnólogos y los historiadores. Aquí no se trata de levantar un registro de las diversas expresiones que pueden adquirir las relaciones entre las personas[3], al interior de una determinada estructura de parentesco, sino que, desde la perspectiva anarquista, en qué medida la evolución de la familia, también recoge la génesis del estado, y de la forma en que dicho proceso genético-evolutivo, conlleva en sí igualmente la historia del poder y de sus distintas manifestaciones.
Escáner Cultural nº: 144ARTE, A-ARTE, ANTIARTE… Los nódulos del arte (Parte 2, concluye)
12 January 2012 - 10:10pmSignos Corrosivos / De Las Mutaciones
ARTE, A-ARTE, ANTIARTE… Los nódulos del arte
(Parte 2, concluye)
Araceli Zúñiga y César Espinosa (Coordinadores de la Bienal Internacional de Poesía Visual Experimental), Celia Fanjul (UAM-X)
“Consideré que aun en los lenguajes humanos
no hay proposición que no implique el universo entero;
decir tigre es decir los tigres que lo engendraron, los ciervos
y tortugas que devoró, el pasto de que se alimentaron,
la tierra que fue madre del pasto, el cielo que dio luz a la tierra.
Consideré que en el lenguaje de un dios toda palabra
enunciaría esa infinita concatenación de los hechis,
y no de un modo implícito, sino explícito,
y no de un modo progresivo, sino inmediato”.
Jorge Luis Borges, 19491
Cualquier tecnología lo suficientemente
avanzada es indistinguible de la magia.
Arthur C. Clark
Trataremos aquí algunos de los puntos nodales en los que se anclan algunas de las nuevas expresiones artísticas del siglo XXI. Estos nódulos los entenderemos como paradigmas sociales, filosóficos, científicos y estéticos que demandan soluciones específicas.
Uno de los retos es cómo agrupar a las diferentes artes cuando las clasificaciones anteriores (corrientes, estilos) ya no nos sirven y provocan un colapso. Planteamos idear conjuntos en torno a nódulos disciplinarios, inter/transdisciplinarios (transversales), que permitan abordarlos como sistemas complejos.
Durante décadas, el paradigma biológico ha dominado la representación de nuestro contexto interno y externo, la percepción del mundo micro y macro se ha comprendido en otra dimensión aumentando nuestras capacidades visuales gracias a prótesis que la física y la electrónica nos han procurado. Si las vanguardias incursionaron en la física en torno al movimiento y la luz, nos vemos ahora obligados a incursionar en la genética y la cibernética, las nanociencias y las ciencias de la energía.
Otro nódulo es el social, en donde se tratan cuestiones éticas, de organización del cuerpo social, que plantean diversas dimensiones, se agrupan lenguajes de diferentes grupos sociales y mediáticos, que se diversifican según puntos de vista: hermenéutico, histórico, lingüístico, antropológico, político.
Las dimensiones que adquiere ahora lo geográfico y la transformación de las fronteras han generado una variedad amplia de cartografías ambientales y sociales, ciencias del espacio.
Escáner Cultural nº: 144POSMODERNIDAD: DESFRAGMENTACIÓN DEL ARTE
12 January 2012 - 9:08pmFotoproyecto Chile
Orlan, “Beauty (Cult)ure” (2007)
POSMODERNIDAD: DESFRAGMENTACIÓN DEL ARTE
Maria Pia Cordero
mpiacordero@gmail.com
Desde que el arte abandonó su autonomía para abrirse a su heteronomía, apropiándose de las “cosas” mismas, comienza a adentrase en la esfera de la posmodernidad. Ésta puede ser entendida como la superación de los discursos, que en cualquier ámbito del saber, tienden a la unificación o totalización de sus argumentos o razones. En contraposición a la modernidad, caracterizada por la idea de progreso, la posmodernidad es fragmentación. Según el filósofo francés Gilles Deleuze, la posmodernidad puede ser caracterizada por cierto rasgo de “esquizofrenia”, al primar las diferencias y rupturas, en contraposición a la unidad e identidad de los relatos. Esta época, marcada por el influjo de los mass media, la globalización y el multiculturalismo, es sobrecarga de información, posibilitada en nuestros días, además, por el influjo de las redes sociales. En este contexto, el arte también se encuentra sujeto a tal desfragmentación. Hoy el arte es la acción por la cual se transgreden límites, manifestación de las diversas posibilidades que posee el hombre de darle curso a su vida, dentro de una era dónde las coordenadas que tienden a determinar todo sentido del accionar humano son ciencia y tecnología. Ejemplo de esta situación es el trabajo de la artista francesa Orlan (1947), cuyo trabajo opera entre la fotografía, performance, escultura, instalación y video art. Esta artista, manifestación de tal desfragmentación, juega con su propio cuerpo, desbordando los límites metafísicos, de los que el arte paulatinamente se ha ido liberando. El trabajo de Orlan redunda en Orlan misma. Jugando con su identidad, da a conocer la manipulación a la que puede estar sujeto el cuerpo, sobre todo el cuerpo femenino. Extremando la situación, en cada acción su obra, o sea, ella misma, es sangre, fluidos, carne cortada y suturada.
Escáner Cultural nº: 144RECUERDOS DE MALÚ GATICA
12 January 2012 - 3:16pmPERSONAJES
RECUERDOS DE MALÚ GATICA
Por Alvaro Oliva
En nuestros días basta con activar el televisor o abrir un diario para ver como los actores y otros profesionales rinden pleitesía a las grandes cadenas de multitiendas y farmacias firmando contratos con enormes ganancias. Sin embargo, en el siglo XX, alejada de esta realidad que nos satura, surgieron artistas que amaron y realizaron su profesión apegados a sus dones, en un país más pobre, pero con más tranquilidad mental.
Es así como, hoy, es posible recordar a un grupo de actores comprometidos con ellos mismos. Uno de estos personajes fue María de la Luz Gatica Boisier, más conocida, como Malú Gatica.
Esta connotada actriz nació en la sureña comuna de Purén, el 15 de enero de 1922 en la casona Boisier del predio “El Fortín”, de la familia de José Boisier Bourgeaux, destacado inmigrante francés, abuelo de la actriz.
En este lugar, alejada de las grandes ciudades y bajo el esfuerzo sostenido que caracterizó a los colonos de la época, pasó su infancia en medio de las inquietudes artísticas e intelectuales de su familia. Sin embargo, luego de algunos años, junto a sus padres Roberto Gatica (periodista) y Leonie Boisier, se trasladaron a vivir a Nueva York, donde terminó la enseñanza media, y posteriormente, estudió idiomas y música.
Escáner Cultural nº: 144VINAY ES OTELO
11 January 2012 - 7:30pmHéroes de la Música Chilena
Vinay es Otelo
Patricio Muñoz
inter.guit@gmail.com
Ramón Vinay Sepúlveda (Chillán 1911- México 1996)
El Maestro Vinay fue un destacado cantante de ópera chileno. Nació en Chillán y paseó su arte por el mundo entero, recibió educación en Francia y México. Desarrolló una brillante carrera artística siendo Otelo (Otello En italiano) de G. Verdi su gran interpretación, este personaje es para tesitura de tenor y es un papel muy exigente en la parte vocal y también por el lado dramático.
Tratando de hacer un breve recorrido por la gran carrera de este “ Héroe de la Música Chilena “ podemos mencionar su particular doble estreno en los comienzos de su vida musical, primero en 1931 donde asume el personaje de Alfonso en la Ópera ”La Favorita” (barítono) de Gaetano Donizetti, trabajando este registro hasta 1943 donde se estrena como tenor (spinto) en la ópera cómica “Carmen” de G. Bizet, con el personaje de Don José.
Actuó en los más importantes teatros de ópera del mundo como el: “City Center Ópera de Nueva York”, el ” Metropolitan Ópera House”, la ”Scala de Milán”, ”Ópera de Viena”, “La gran Ópera de Paris”, el ”Colón de Buenos Aires”, entre otros.
Escáner Cultural nº: 144Por un mundo con tapitas y con arte. Víctor Castro, escultura social
11 January 2012 - 4:08amPor un mundo con tapitas y con arte. Víctor Castro, escultura social
Por: Ximena Jordán. ximejordan@gmail.com
El Df y el artista
Conocer a Víctor Castro es una experiencia singular. Personaje alto y serio, hay un aparente contraste en su personalidad misteriosa pero extrovertida, intelectual pero emocional…es confuso de catalogar. Al verlo trabajar con niños sorprende por su cercanía y su habilidad educativa hacia ellos. Y hacia los adultos, también. No obstante, Castro es ante todo un artista contemporáneo, de raigambre muy urbana en estilo, estética y discurso. Aterrizado con la realidad y con los problemas de su entorno, Víctor Castro trabaja, en este momento, en la ciudad de México.
La ciudad de México, también conocida como "el Df", sufre de un evidente problema de disposición de residuos sólidos. Los depósitos no dan abasto, y esto, lamentablemente, dejó de ser una amenaza y pasó a ser un hecho.
LA OBRA “ML” DE NICOLÁS RUPCICH: LA ESPECTACIÓN COMO SIGNIFICANTE
10 January 2012 - 2:08pmAsí en la Tierra...
La obra “ML” de Nicolás Rupcich: La espectación como significante Video Arte y Nuevos Medios Por: Diego Cerda Segueldiego.cerda.s@gmail.com10 de enero de 2012Revista Escaner Cultural No. 144. Enero - febrero.
"ML" La suspensión de la muestra y la espectación como significante
Al presenciar la obra ML de Nicolás Rupcich, su tercera exposición individual en Galería Die Ecke, obra también exhibida en la “28th Kasseler Dokumentarfilm und Videofest” en Kassel, que además será presentada en febrero de 2012 en la “Transmediale” de Berlín; me vino a la mente de inmediato una evocación a una de las grandes paradojas del sentido de la realidad en un mundo constantemente acelerado: El contenido tiende a desaparecer en favor de la circulación del sentido puro.
Tal como en el cuento “La Carta Robada” de Edgar Allan Poe, en “ML” el centro supuesto de la narración desaparece para dejar paso a la circulación de sentido en torno de infinitas especulaciones mentales sobre dicho contenido, el cual nunca se define y deja un vacío que es llenado por una espectación pura, que en el caso de la carta de Poe es política, puesto que pone en jaque las propias espectativas del destino de una monarquía; y en el caso del video arte de Rupcich es arte consumado, puesto que convierte este vacío en un significante sensible, el que de por sí se transforma en una obra que en adelante no podrá dejar de ser referida.
La carta robada (Detalle: Illustration de la nouvelle d'Edgar Allan Poe intitulée La Lettre volée. Circa 1864) Rupcich desarrolla un trabajo de limpieza minuciosa del contenido, lo hace desaparecer mediante una argucia técnica, mediante el recurso mágico de un software de efectos visuales (Mocha pro, After Effects, Final Cut Pro), el cual permite borrar los contenidos que forman parte de una pieza audiovisual capturada por el artista en el Museo del Louvre en 2011. En esta operación las obras que forman parte del sentido de la espectación del público, es decir, que son el acontecimiento en sí de una visita a este museo, son suspendidas para crear un vacío en el cual el sentido se constituye a partir de una sustitución magistral donde sólo queda la espectación como contenido, es decir como contenido sustituto. Escáner Cultural nº: 144
RITA FERRER: UNA VIDA ENTRE LA IMAGEN PENSANTE Y LA PALABRA REFLEXIVA.
9 January 2012 - 9:01pmFotoproyecto-chile
Fotografía retrato: Roberto Apablaza
Por Mane Adaro
RITA FERRER: UNA VIDA ENTRE LA IMAGEN PENSANTE Y LA PALABRA REFLEXIVA.
"¿Por qué Muchedumbre de Jorge Brantmayer fue tan rotunda en Bayona? Porque justamente desordena el archivo y sabemos que el archivo es un espacio de poder, porque la identidad nacional se arma por el territorio y por las colecciones; por eso es político este trabajo, por ese simple gesto de desordenar el archivo del que cataloga, del que clasifica, del que dice que esto va acá o allá, quién es ídem y quién alter; porque siempre hay un mandato de quien clasifica en nombre del Estado".
El mundo de Rita Ferrer se conforma de luz y palabra: pinturas, fotografías, plantas, flores, delicados detalles, recuerdos y muchos, muchos libros. Una vida intensa y apasionada, construida a través de la palabra y un pensamiento crítico. Periodista, escritora, teórica, ha publicado una infinidad de artículos y dos libros sobre fotografía: Yo, Fotografía (2002) y ¿Quién es el autor de esto? Relaciones de fotografía y performance ( 2010). Fue seleccionada por tercera vez en el Encuentro Internacional de Críticos y Curadores de Trasatlántica 2011, con su ensayo “Todos contra el lente”, texto que acompañó a la muestra fotográfica “Muchedumbre” de Jorge Brantmayer en su recorrido por la ciudad de Bayona, Francia.
MA. ¿De profesión periodista, cómo es que llegas al mundo del arte?
RF. Cuando entré a estudiar periodismo a la Universidad Católica en 1970, se había puesto en marcha, a partir de 1968, la reforma universitaria y se había implementado el currículum flexible y me titulé en el 75, habiendo realizado todos los ramos optativos y facultativos en estética y literatura. Me interesa el arte porque crea nuevas representaciones de eso que llamamos realidad y nos permite interpretar las prácticas sociales de una época y las relaciones de poder. Con el golpe militar nunca trabajé como periodista en medios pero si lo hice en publicidad, en los años que, muchos del mundo artístico y de las ciencias sociales, que no se fueron al exilio, trabajaban en esa industria. En los años 1981 y 1982 animé, junto a Wladimir Balic, la Sala BHC, donde expusieron por primera vez la generación de los 80’s: Samy Benmayor, Jorge Tacla, Matías Pinto de Aguiar, Pablo Domínguez, Omar Gatica, entre otros. También me acuerdo de la exposición “Las cuatro Patricias” en la que participaron: Patricia Israel, Patricia Figueroa, Patricia Saavedra y Patricia Vargas. También hicimos con Ricardo Mac Kellar una gran retrospectiva de Juan Francisco González. En esos años, me vinculé con muchos artistas, escritores y coleccionistas; muy especialmente con aquellos artistas e intelectuales que después fueron llamados por Nelly Richard, la Escena de Avanzada; algunos de ellos han sido grandes amigos y parte de mi vida.
Ya a mediados de los ochenta trabajé como consultora de comunicaciones en UNICEF y ahí articulé una red de artistas para la infancia. En ella participaron figuras como: Ana González, Lotti Rosenfeld, Raúl Zurita, Diamela Eltit, Nelly Richard, Roberto Bravo, Saúl Sckolnic, entre otros. Posteriormente, entre 1987 y 1992, me desempeñé como agregada de prensa y gestora cultural del Instituto Chileno Francés de Cultura, en un período muy significativo, que me permitió vincularme con artistas e intelectuales de todas las disciplinas y por supuesto, con fotógrafos.
Escáner Cultural nº: 144David Lynch de la fragmentación a la letra
9 January 2012 - 12:14pmrealizar…la acción…
David Lynch
de la metáfora delirante a la fragmentación a la letra
No me queda muy claro porqué emprendo la escritura de esta serie de artículos sobre la obra –magistral- de David Lynch. Quizás por haber dedicado tantos años a la investigación sobre la obra de Michel Haneke, en las antípodas de Lynch, compilada en mi libro: ‘La realidad ordinaria y la obra de Michel Haneke’. Quizás porque el año 2010 se lo he dedicado a la obra de John Cage, todo un descubrimiento para mí, que me ha llevado a poder pensar sobre el valor de ‘el silencio’ no solo para el arte sino para el sujeto moderno. Quizás porque esto me ha llevado a leer con más detenimiento el trabajo fundante que hace Jacques Lacan sobre la obra de James Joyce, ‘la estructura como una escritura’.Quizás por el prestigio incuestionable que su obra ha adquirido no sólo a nivel académico y artístico, tal que se ha hecho imprescindible para poder leer el derrotero que la imagen ha producido en el siglo XX: de Hitchcock a Lynch. Quizás por la densidad visual y de comprensión de su obra, tantas veces su visionado se me hace insoportable, atravesar lo insoportable, poder decir algo sobre lo insoportable será parte de este trabajo, espero poder cumplir con cada una de las etapas señaladas y ofrecerles el recorrido prometido.
Escáner Cultural nº: 144HOPPER: V. EL ESTILO AMERICANO
7 January 2012 - 11:41am
HOPPER: V. EL ESTILO AMERICANO
Por Mario Rodríguez Guerras
The American way of art
USA no tiene mitos a los que recurrir ni hijos pródigos a los que perdonar pero, tampoco, los desea porque todos ellos son figuras importadas del extranjero. Lo que los americanos sienten como suyo, y muestran a través de obras como las de Hopper, son los territorios conquistados, la paz establecida y las comodidades que proporciona la prosperidad económica, elementos completamente materialistas pero, a través de ellos, un espíritu sensible puede ser capaz de expresar ideas trascendentales.
ARTE, A-ARTE, ANTIARTE… Los nódulos del arte
18 December 2011 - 3:30amSignos Corrosivos
ARTE, A-ARTE, ANTIARTE…
Los nódulos del arte
Araceli Zúñiga, César Espinosa y Celia Fanjul
El arte actual
¿El arte… se guarda, se transforma? ¿Adónde va?
Con el objetivo general de conocer y examinar la complejidad de los emergentes escenarios y concepciones a propósito del arte, se llevó a cabo el Primer Congreso Internacional Nuevos Paradigmas en Torno al Arte, patrocinado por la Universidad Autónoma Metropolitana, plantel Xochimilco, Ciudad de México, en la primera semana de noviembre de 2011.
En su declaración y temática introductorias se exponía: El arte actual se caracteriza por la discontinuidad y la diversidad, porque el artista se ha adueñado de medios, materiales y técnicas tan variados como la realidad misma, y la vastedad de expresiones artísticas que enuncia lo otrora indecible.
Creación y aprendizaje. Conocer desde el punto de vista heurístico y hermenéutico los procesos perceptuales y creativos que influyen en el aprendizaje, la imaginación, la intuición, lo consciente, el inconsciente, la estética y la ética. Aprendizaje y conocimiento: Diseño, cambio, conocimientos transversales, educación.
Escáner Cultural nº: 143MEDITACIONES LIBERTARIAS EL AMOR
15 December 2011 - 4:23amPerfiles Culturales
Dedales de Oro. Yto Aranda.
MEDITACIONES LIBERTARIAS
EL AMOR
Rodrigo Quesada Monge[1]
El anarquismo es, antes que nada, una utopía, o no lo es, nos recuerda el escritor español Tomás Ibáñez[2]. Este abordaje del anarquismo como un ideal, una ensoñación, nos obliga a imaginar una realidad construida con fragmentos de buenos deseos, anhelos, esperanzas y aspiraciones, casi siempre fallidas. Porque, según Ibáñez nuevamente, la realización de la utopía anarquista, haría desaparecer su legitimidad ontológica en nuestra más cercana inmediatez. Dicha utopía, producto de siglos de confrontaciones, conflictos sociales, enfrentamientos, asesinatos, ajusticiamientos, y otros recursos, perpetrados contra los soñadores de todos los pelajes, sólo nos recuerda lo terrible, contagioso y arriesgado que puede ser soñar en el sistema capitalista, cuyos fundamentos están muy bien aferrados a una civilización burguesa, para la cual la realidad, su realidad por supuesto-la cual reposa a su vez, sobre la moral del ahorro, la eficiencia y el trabajo-, es lo único que cuenta; y sólo a partir de ella se puede construir todo lo demás: el arte, el amor, la amistad, la tecnología, la justicia, la libertad y la armonía.
A todo lo largo de este libro, se ha podido notar que la moral burguesa penetra sutilmente, algunas veces, y otras no tanto, en las más sanas intenciones de las personas. Quienes escribieron sobre ella alguna vez, hombres como Adam Smith (quien fuera profesor de moral durante varios años), solo para citar el ejemplo entre los ejemplos, nunca le dieron cabida al desinterés, la espontaneidad, el relajamiento de las costumbres, o la irresponsabilidad, porque, creían a ciegas, que la productividad del trabajo (a propósito, para Smith, el trabajador no era más que una especie de bestia de carga), la creación de mercancías y la obtención del beneficio, solo eran posibles con una férrea disciplina, en la cual no encajaban las más mínimas desarmonías. El ocio siempre fue inmoral, intolerable en todas sus expresiones, para el buen burgués, prendido a sus obsesiones con el reloj, pues cada minuto cuenta en la justa por el rendimiento en el mercado capitalista. Por eso, los socialistas, revolucionarios, libertarios, inmoralistas, ateos, libertinos y proxenetas de todas las procedencias, son considerados como criminales, juzgados, violentados, encerrados y ejecutados, cuando ha sido posible.
El grado de incidencia de la obra de poetas como Sade, Casanova, Byron, Wilde, Baudelaire, Rimbaud, Verlaine o Darío no reside tanto en la relativa calidad de su legado literario, sino en la poesía que lograron construir con sus experiencias personales, pasiones, afectos, emociones, convicciones, aciertos y desaciertos, que se reflejan en una estética, elaborada con retazos de sufrimiento, sacrificio, soledad y desamparo. En estos casos, la opresión moral no cede ni un ápice ante las concesiones que hace la burguesía, para que el poeta no deje de cantar y alabar sus virtudes de clase: ahorro, disciplina y trabajo. Es el maldito y vetusto juego de la zanahoria y el garrote, que también algunos otros poetas han experimentado, en distintas situaciones y bajo condiciones de opresión desdibujadas por un aparato de Estado todopoderoso. Las poetas rusas Irina Tzvetaieva y Anna Akhmatova, nos evocan esa tirantez y tensión insoportables entre crear y sobrevivir. Con ellas la omnipresencia, omnívora, del Estado, renuncia a los límites planteados por la geografía, y nos acerca más bien a una intimidad pocas veces registrada en los anales de la poesía occidental. Esa transparencia y calidez humana son las mismas que se le sienten a Emma Goldman en su autobiografía; no son gratuitas, y se logran atisbar únicamente cuando se ama libremente, sin cortapisas ni límites de ninguna especie.
Escáner Cultural nº: 143“CIUDAD SUR”, DEL ESCRITOR LUIS ANTONIO MARÍN.
15 December 2011 - 4:15amFértil Provincia
Ciudad Enferma: Ciudad Pus
APUNTES SOBRE “CIUDAD SUR”, DEL ESCRITOR LUIS ANTONIO MARÍN.
Por Ramiro Villarroel
Las imágenes que van del horror a la angustia, de la degeneración al hastío y de la risa a la decadencia orgánica y espiritual que aparecen en las páginas de “Ciudad Sur”, nos hablan del gesto irreverente y decidido que activa la musculatura visual y literaria del escritor, operando una metodología que tiene mucho de crónica temporal, espacial y experiencial, que podríamos llamar de alto periodismo –eso sí, de mirada totalmente excéntrica-, al abrir camino a personajes que encarnan aspectos determinantes o arcanos de lo humano de alta densidad, cuyo casting el autor ha desarrollado durante toda su vida, ya que un dato no menor es la construcción de esta novela o libro de relatos imbricados, como el mismo autor le gusta definir su obra, cuestión que desemboca en una biografía ficcionada en tercera persona.
Empresarios, artistas, mujeres e instituciones aparecen retratados con una pluma que ausculta las características de una sociedad compuesta y construida por seres retorcidos y oscuros, a la vez víctimas y victimarios en escenas cargadas de una violencia aceptada por quienes la padecen.
Esta radiografía, escáner o resonancia al espíritu que le da cuerpo a esta ciudad más real que imaginaria, nos entrega el contraste de acontecimientos por momentos infernales, donde la prepotencia del poder y el dinero convive con la hipocresía de una fiesta donde todas las aberraciones se mixturan, lo que vendría siendo la punta de un iceberg en que los vapores de la corrupción confeccionan una arquitectura de cartón piedra, sexo, drogas y rock satánico.
Acá el mal es la moneda corriente que construye universidades y abyecciones.
A su vez, esta universidad produce entre sus huestes jóvenes enajenados; pero también a un escritor cuya obra disecciona la mente y los comportamientos de la perversidad encarnada en hombres y mujeres monstruosamente comunes y corrientes, que por lo fatal de sus experiencias, se tornan malsanamente excepcionales.
Una cosa cierta es que el mal es medular en la trama de todos y cada uno de los cuentos que componen la novela. Así, esta obra se emparenta con una amplia lista de obras de la literatura, que sería innecesario nombrar por su misma extensión. De alguna manera, la historia de la literatura es la historia del mal.
El infierno que el autor tiende ante nuestra mirada tiene el porte de la ciudad, de un convento o de la caja craneal de un exitoso drogadicto que, en conjunto con la velocidad de la narración, dan una sensación de vértigo y de turbación.
Las capas de identidades que esgrime el autor, desde un principio, hablan de un cuestionamiento a la política del ser que funciona como disfraz, lo que nos alerta de que hay un juego de superficies, figuras y fondos que el autor refiere y que son tratados con una distancia que le permite lanzar su artillería crítica con mayor libertad al momento de fijar las ideas.
En la novela lo grotesco luce su eje alimentado por la sangre, el kitsch, el voyerismo y una investigación que tiene un sabor a venganza por las circunstancias innobles e injustas que el autor ha tenido que vivir, así como gran parte de su generación.
Esta ciudad está preñada de oscuridades que el escritor no tiene intención de iluminar, pues le interesa entregar una imagen de esa oscuridad mediante incógnitas, cuyas apariencias encarnan los mitos urbanos que hasta el momento nadie ha querido –o podido- retratar. Esta, de todas maneras, es una Ciudad Enferma: Ciudad Pus.
Escáner Cultural nº: 143
RENATO RUSSO Y LA LEGIÓN URBANA
13 December 2011 - 2:42pmGuía de Descarriados
RENATO RUSSO Y LA LEGIÓN URBANA
Marcelo Olivares Keyer
Brasilia a principios de los ochenta ya no era la ciudad modelo diseñada por Lucio Costa y Oscar Niemeyer, e inaugurada por el presidente Juszelino Kubitscheck de Oliveira en 1960. Los inevitables arrabales de pobreza ya desdibujaban su moderna planta (¿un arco con flecha, un avión, una cruz?) y la también inevitable dictadura ocupaba de facto el sillón presidencial. A pesar esto, sus amplias avenidas, muy asoleadas de día y enigmáticamente oníricas de noche, fueron la ancha pista en donde aterrizó la New Wave en Brasil.
Por aquellos días, incipientes bandas combinaban y recombinaban sus integrantes en busca de la formación ideal para brillar con luz propia en lo que quedaría conocido como la Escena Brasiliense. En este cuadro formativo, aún indefinido, aún por cuajar, existía sin embargo una certeza: Aquel esmirriado trovador, veinteañero y enfermizo, llamado Renato Manfredini, era el líder. Nacido en Rio de Janeiro en 1960 (el mismo año de la inauguración de Brasilia), había pasado parte de su infancia en New York, de modo que al recalar en la flamante nueva capital a los trece años de edad ya traía un bagaje que le permitió fundar en el temprano año de 1978 la banda Aborto Eléctrico, quizás la primera banda punk de Latinoamérica.
En todo caso, a principios de los ochenta recorría los boliches nocturnos de la capital en plan solitario, con su guitarra de juglar, entonando largas canciones sin estribillo, y buscando nuevos socios para un nuevo proyecto grupal. Estos serían su tocayo Renato Rocha en bajo, Dado Villa-Lobos en guitarra, y Marcelo Bonfá en batería. Manfredini, voraz lector, cambió su apellido en honor a Bertrand Russell y Jean-Jacques Rousseau, pasando a ser, de ahí a la eternidad, Renato Russo. El nombre de la banda lo encontró en un libro sobre el Imperio Romano, trocando la frase Romana Legio OmniaVincit (Las Legiones Romanas Todo Lo Vencen) por Urbana Legio Omnia Vincit, subtítulo que acompañaría casi todas las placas.
Ya desde sus días de cantautor, Renato Russo marcaba una diferencia respecto de sus contemporáneos por la extensión y profundidad de sus letras, de manera que al aparecer el primer álbum de Legión Urbana (“LEGIÓN URBANA”, 1985) rápidamente pasó a ser el portavoz de su generación, tal como en otros rincones de Suramerica ya lo estaban siendo el Indio Solari en Argentina o Jorge González en Chile. Sobre la consabida base punk/electrónica/new wave, las canciones del primer álbum despliegan el repertorio temático e ideológico característico de aquellos días: Las cosas por su nombre, sonido límpido, discurso directo; al pan, pan, y al vino, vino. Desde la fundacional Será (“¿Será sólo imaginación/Será que nada va a acontecer/Será que todo es en vano/Será que vamos a conseguir vencer?”), hasta cerrar con Por Mientras, verdadera plegaria electrónica versionada años después por Cassia Eller, las once canciones irradian fuerza, juventud, anhelos y espíritu confrontacional, todo magistralmente equilibrado por la batuta de Renato Ruso. Se adivina la influencia de The Cure, incluyendo también el reggae de rigor, y la canción Generación Coca-Cola viene a ser la hermana brasileira de canciones como La Voz de los Ochenta, de Los Prisioneros, o Represión y Generación Inter, de Los Violadores, en tanto arietes para derribar lo pasado y pisado.
Escáner Cultural nº: 143BUSCANDO EL PARAÍSO PERDIDO
13 December 2011 - 2:06pmDesde Rusia
BUSCANDO EL PARAÍSO PERDIDO
Marina Yufereva
Hoy día todos sabemos quién es Jennifer López o Barack Obama, pero lamentablemente estamos sufriendo una presbicia espiritual y no podemos ver la cultura, el arte y la historia de la casa paternal, de nuestra patria, puesto que siendo ciegos ni siquiera sospechamos que esto ya existe aquí y ahora.
Y este amor a su tierra, el patriotismo interior se resucitan a través de la película documental rusa “Sedmitsa” (http://vkontakte.ru/sedmica) (esta palabra rusa representa el nombre de la semana en la lengua eslava eclesiástica), creado por el grupo teatral joven “Cool-show”. La película está filmada y montada absolutamente por los esfuerzos del estudio teatral de cine “Cool-show” de la ciudad Azov.
En la película se trata sobre la juventud moderna, los valores en su vida, las cuestiones las cuales plantean los jóvenes, las preguntas las cuales no dejan encontrar las respuestas. Los protagonistas del documental son cinco muchachos ordinarios que cuentan de la visión de la sociedad moderna y de su vida, comunicando con las personas distintas.
El grupo teatral “Cool-show” ha conseguido la victoria en la competición “La Iniciativa Ortodoxa” en la nominación “Los Valores Eternos en el Espejo de los Medios de Comunicación”. El primer lugar era conferido a la película “Sedmitsa”.
La película consiste de siete partes, cada una de las cuales dura unos 20 minutos. Cada parte lleva el nombre muy profundo: “Verdad", “Fe”, “Belleza”, “Esperanza”, “Sabiduría”, “Amor”, “Resurrección"; y comienza con la melodía penetrante y las imágenes vivas.
Escáner Cultural nº: 143UNA DISCUSIÓN TRADICIONAL: “¿VANGUARDIA VERSUS NEOVANGUARDIA?”, CONFRONTANDO A DOS TEÓRICOS DEL ARTE: PETER BÜRGER VERUS HAL FOSTER
13 December 2011 - 1:15pmarte+reflexión
UNA DISCUSIÓN TRADICIONAL: “¿VANGUARDIA VERSUS NEOVANGUARDIA?”,
CONFRONTANDO A DOS TEÓRICOS DEL ARTE: PETER BÜRGER VERUS HAL FOSTER
Parte III: Reflexiones finales
Robert Smithson “Spiral Jetty” (1970)
Pía Cordero
Después de revisar las perspectivas de Peter Bürger y Hal Foster en torno a la vanguardia y neovanguardia (partes I y II del presente artículo), surge la necesidad de generar un enfoque total que aúne ambas visiones. Por un lado, la visión de Bürger se erige como pesimista e historicista, al proponer un punto de inicio y final, a tan anhelado momento de quiebre y cambio en la esfera del arte. Para Bürger, la sentencia es clara, el arte está condenado a seguir siendo un servil esclavo de la sociedad capitalista en la que se desarrolla, pues sus intentos de desesperada liberación, terminaron generando los mismos barrotes de hierro, que conformarían su neo-prisión o neo-vanguardia. Al ser repetición, el arte permanece en una constante e ineficaz muerte, sigue siendo arte, es decir, institución servil y lucrativa, lejos del despliegue vital. En contraste, a tan triste panorama, Foster cree ver una salida. La vanguardia no fabricó sus barrotes, sino al contrario, forjó el potente filo que la liberaría de su silente servilismo, mediante la neovanguardia. Con este movimiento, el arte expande su campo se acción, siendo posibilidad de crítica. Desde esta perspectiva, abre espacios, no tan sólo de acción, sino de mediación y meditación, pues posibilita el despliegue de un tercer elemento de síntesis, entre objeto y observador, esto es, la crítica de arte. Mediante ésta, se
Robert Smithson “Spiral Jetty” (1970)
Escáner Cultural nº: 143SEVILLA FESTIVAL DE CINE EUROPEO 2011
13 December 2011 - 12:55pmInvitado
MIGUEL JIMENEZ-EL TALLER DE ZENON.
Celebrado entre los dias 4 a 11 de Noviembre, el Festival de Cine Europeo de Sevilla ha logrado estar en tan sólo ocho ediciones, entre los tres primeros de España en número de espectadores (más de 70.000 en la pasada edicion) tan sólo por detrás de San Sebastián y Sitges, como ha declarado su director Martín-Domínguez, quien ha añadido : “Tenemos un respaldo sólido y el reconocimiento exterior. Prueba de ello es que los distribuidores y productores nos siguen entregando grandes películas.
A pesar de haber sufrido los efectos de la crisis que padecemos con una importante reducción en su presupuesto y un día menos de duración, el Festival ha ofrecido más de 150 títulos entre largometrajes, documentales y cortos; homenajes a reconocidos cineastas como Nikita Mikhalkov y María Galiana; y un ciclo especial dedicado al cine de Rusia, país invitado de este año, amén de un elevado numero de actividades paralelas configurando el que, en palabras de su director, iba a ser “el mejor festival de todos los que se han celebrado”, con un optimismo ciertamente difícil de compartir.
Con la esperanza de su continuidad a pesar del cambio de color político de turno y de la reducción de los medios puestos a su disposición, queremos apostar por un Festival que se ha centrado en la difusión y distribución de un cine hecho en Europa, con cineastas nuevos o expertos, con unas características propias y una temática que aunque muchas veces resulta sórdida, es un fiel reflejo de las actuales circunstancias vitales de esta llamada unión europea que día a día vemos tambalearse.
En la gala de clausura se ha hecho público el palmarés del certamen, en una edición marcada por una calidad desigual en los trabajos presentados y la presencia de cierta diversidad de géneros, pero con el agradecimiento de haber coincidido en su mayor parte con la elección de los premiados, cosa rara en cualquier festival pero mas aún en éste.
MEJOR PELÍCULA
El jurado del SEFF’11 ha concedido el Giraldillo de Oro a la Mejor Película a la producción noruega SIEMPRE FELIZ, de Anne Sewitsky, “por mostrar un retrato de la Europa contemporánea a través de la vida de gente ordinaria, por contar una historia edificante y sutil sobre seres humanos y por celebrar el amor y la calidez en las relaciones humanas como el pegamento que mantiene todo unido”
Ha sido realmente una sorpresa agradable en los primeros días del festival. Desde Noruega nos llega esta cinta donde dos parejas con sus hijos respectivos dan vida a este relato a la vez divertido y corrosivo. Seis personajes bien dibujados que se enfrentan a la realidad bien distinta de unas vidas aparentemente perfectas dentro de un guión excelente, bien construido y bien interpretado. Podría decirse que se trata de una sonrisa en la fría Noruega, en una sociedad a la que cuesta tanto expresar sus sentimientos. Especialmente divertidos y preocupantes los juegos a los que se dedican los chicos.
Escáner Cultural nº: 143
